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Nuevo sello discográfico especializado en B.S.O. Rosetta Records.

Siempre es bienvenida cualquier iniciativa cultural en este país, por eso nos enorgullece comunicar la aparición de un nuevo sello editorial discográfico especializado en música de cine. Antonio Piñera y Pedro Ferrer Cascales, responsables de la editorial Rosetta, son los fundadores de este proyecto, Rosetta Records. Con ello quieren lanzar al mercado bandas sonoras que hace años que no están editadas o que nunca lo han estado.

El sello, después de muchas negociaciones, comienza editando la partitura que escribió el maestro Antón García Abril para la película Monsignor Quixote (1987), un clásico de las bandas sonoras muy buscado por los aficionados. El CD, contará con 45 minutos de música remasterizada, repartidos en 11 temas...

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Benjamin Wallfisch, IT.

IT(2017).

Transcurridos veintisiete años desde la última adaptación, en este caso para televisión, de la aclamada novela de Stephen King IT, ahora llega a las pantallas cinematográficas la nueva versión a cargo de Andrés Muschietti. Estamos ante una película mucho mejor acabada tanto en su desarrollo argumental, como en otros aspectos como la música. Las escenas están muy bien rodadas, y es que la antigua versión dejaba mucho que desear.

El argumento es de sobra conocido, sobre todo entre los aficionados al escritor de Maine...

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Alexander Cimini, Red Krokodil.

Red Krokodil

Antonio Pardo Larrosa

Durante mis primeros años de aprendizaje filosófico, época hedonista en la que los grandes e ilustrados pensadores me tendieron la mano, visité con relativa frecuencia la obra del filósofo y ensayista español Antonio Escohotado, “Historia general de las drogas”, un texto esclarecedor donde la fenomenología de estas sustancias prohibidas y a priori a-culturales adquirían una nueva dimensión, cuasi mágica –al menos para mí joven e impresionable conciencia- que elevó mi experimentación a un plano superior. Tomando como ciertas algunas de las ideas que Escohotado defendía allí donde se le reclamaba, a saber: “La droga es una obra de cultura”, o también, “su conocimiento me parece positivo”, por citar solo dos, resulta difícil entender la...

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Entrevista a Debbie Wiseman.

Debbie Wiseman nació el 23 de mayo de 1963 en Londres. Estudió en el Trinity College of Music,  composición y piano. Más tarde siguió sus estudios en  la Guildhall School of Music and Drama, donde recibió clases de piano de James Gibb, y estudió composición con Buxton Orr. Actualmente es una de las compositoras más relevantes en el panorama de la música de cine actual. Sus obras desprenden un halo melódico muy acentuado, al más puro estilo británico. Entre sus bandas sonoras más conocidas encontramos Wilde (1997), Arsène Lupin (2004) o la más reciente Un poeta en Nueva York (2014). Su carrera abarca casi 200 títulos, desde que comenzara en los años 80, hasta la actualidad.
Usted estudió composición con Buxton Orr. ¿Cómo fue su relación con él, y que significó para su futura carrera en el cine?

Buxton Orr era un maestro maravilloso, muy inspirador y un gran compositor también. Escribió bandas sonoras de películas, así como música clásica. Fue, sin duda, la mayor influencia en mi composiciones y carrera.

¿Cuál fue la primera película en la que trabajó?
La primera película fue Tom & Viv, un film sobre el poeta TS Eliot y su penoso matrimonio con Vivien Haigh-Wood. Willem Dafoe interpretó a Tom, y Miranda Richardson a Viv, y fue una oportunidad maravillosa para mí como primera película. También me llevó a trabajar de nuevo con el mismo director, Brian Gilbert, en “Wilde”, una película sobre la vida de Oscar Wilde, protagonizada por Stephen Fry. Esa película fue muy importante, tanto que proyectos maravillosos se sucedieron desde esta producción, incluyendo la oportunidad de componer música para acompañar a dos de los cuentos de hadas de Oscar Wilde, que fue lanzado por el sello discográfico Warner Classics.

Es una de las primeras mujeres que ha trabajado en la música de cine junto con Rachel Portman, curiosamente las dos son británicas.
¿Cómo ve la aparición de nuevas mujeres compositoras en la escena musical?
Históricamente, ha sido una industria muy dominada por los hombres, pero en los últimos años me he dado cuenta de que, por suerte, estoy trabajando mucho más con mujeres directoras, editoras y productoras, lo cual es una gran noticia! Más mujeres parecen estar entrando en la industria, y ciertamente veo más mujeres músicos y compositoras de empiezan en el oficio.

Tiene algo más de 200 títulos en su filmografía. ¿De dónde saca tanto tiempo para componer?

La verdad es que me encanta componer música, y la mayoría de las veces no se siente como trabajo… más como un intenso juego! He tenido la suerte de haber sido invitada a escribir música para una gama tan amplia de producciones, y la variedad de estilos y géneros es una parte muy importante de la diversión para mí.

Usted ha trabajado más en la televisión que para la gran pantalla. ¿Cuáles son las diferencias entre ambos?

Técnicamente, el trabajo es el mismo. Escribo música para el argumento que vemos en pantalla. De vez en cuando hay diferencias en presupuesto y escala de tiempo, pero al final mi trabajo es crear la mejor música para ayudar a contar la historia.

Cuéntenos un poco acerca de su score para Arsène Lupin, una partitura que me gusta especialmente.

Fue una gran experiencia para mí – la primera vez que compuse una banda sonora para una película francesa – y fui capaz de escribir para una gran orquesta sinfónica. También se grabó en los estudios Abbey Road, lo que fue realmente emocionante. Había un montón de música en la película, y un montón de diferentes estilos requeridos… comedia, acción, drama, romance. Fue un gran reto, pero sin duda una de las experiencias más agradables.

Además, ¿qué puede decirnos sobre su score para Un poeta en Nueva York?

Una película completamente diferente a Arsène Lupin, pero igualmente agradable. Se cuenta la historia de la  problemática vida de Dylan Thomas, y el tema principal tenía algo del paisaje de su tierra natal de Gales, y la poesía interior de Dylan. Al comienzo de la película se ve cómo Dylan llega en Nueva York, y esa era una gran oportunidad para escribir un vibrante tema de apertura con influencias de jazz para saxofón y orquesta.


Usted es una gran directora de orquesta. ¿Suele orquestar sus composiciones, o relegar esta tarea en otra persona? ¿Ha relegado en alguna ocasión la dirección en otro colega?
Siempre he orquestado todas mis partituras a lo largo de mi carrera – para mí las dos cosas vienen de la mano. Cuando escribo una melodía decido al mismo tiempo cómo sonará esa melodía exactamente. Es algo que se ha arraigado en mí desde que estudiaba con Buxton Orr. Él era muy pretencioso sobre orquestación y esperaba, con razón, que todo fuera muy bien escrito para la orquesta. Yo también siempre he dirigido mis composiciones. En el momento de entrar en el estudio, siento que conozco esa música mejor que nadie, por lo que tiene mucho sentido para mí llevar a cabo esa dirección! Me gusta enormemente esa parte del proceso – trabajar con músicos talentosos es una parte muy emocionante del trabajo.

¿Con qué directores se ha sentido más cómodo, o con mayor libertad, a la hora de componer?

He sido muy afortunada de haber trabajado con muchos directores diferentes. Cada uno tiene su propia forma individual de trabajar, y parte de la diversión  está en colaborar y ser inspirada por ellos. El director con el que más he trabajado, y he disfrutado trabajando enormemente, es Peter Kosminsky. Nuestra sexta colaboración juntos fue “Wolf Hall”, una producción muy especial.


¿Qué músicos cine le gustan más y por qué?

Me encanta la música de John Barry y Ennio Morricone. Particularmente me encanta la música de cine melódica, y las suyas son memorables y parece como si hubieran sido escritas sin esfuerzo, lo que es una gran habilidad.

¿Cómo ve la situación actual de la música de cine?

Disfruto mucho de la música de cine que se está escribiendo actualmente, y me encantaría escuchar más música melódica también. Parece que el uso de la melodía ha estado en desuso durante un tiempo, pero afortunadamente vuelve a estar poniéndose de moda!

¿En qué proyectos está trabajando actualmente?

Actualmente estoy trabajando en una serie de 20 capítulos para la BBC – “Dickens” – que comenzará a emitirse en Navidad. Acabo de terminar dos series de 10 capítulos también para la BBC – “The Coroner” y “Father Brown”. He sido recientemente nombrada Compositora Residente de Classic FM,  quien me ha encargado escribir un álbum de música inspirada en los signos del zodiaco. “The Musical Zodiac” se grabará la próxima primavera para su lanzamiento en septiembre, así que espero que lo disfruten cuando salga al mercado.

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Andrew Lockingtond, San Andreas.

En sus comienzos, el cine de desastres mostraba cómo marcados personajes superaban las barreras propias que la avanzadilla del guión les iba proponiendo, anteponiendo actor, desarrollo de la historia y acción rodada a la antigua usanza, para lograr un completo resultado final. Aquí llega cuando uno se pregunta en qué lugar y momento en el tiempo cinematográfico, el denominado ente CGI engulló a ese cuidado desarrollo del producto, actores incluidos, y la respuesta es sencilla y clara: Roland Emmerich. Incluso se le podría añadir un acompañante, que no es otro que la palabra “Palomitas”. Así, estos conceptos vienen rebotando cual tsunami hacia nuestra memoria a través del “Disaster movie” de las últimas décadas, que no vamos a repasar para no acabar con la reseña totalmente desolada...

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